一、建立正确的发奋概念
想要弹奏出美好的声音，这需要掌握一定的知识和技能。
1．对于高师音乐教育专业的学生来说，大多在入学前没有经过规范的弹奏训练。有些突出一两首乐曲参加考试，但毛病诸多，还有些从未接触过钢琴。对此首先要从钢琴的构造、基本原理入手，让学生熟悉这门乐器的发音特点，认识到钢琴本身所能被发掘出的美好音色；其次，从基本的弹奏方法入手，正确理解重量弹奏法的实际意义。正确运用手臂的自然重量与指尖力量高度集中的方法是学琴的坚实基础。只有结实的手指尖与手腕第一关节的灵活性以及手掌相互的稳定性，才能使从肩到臂、腕直达指尖的重量，通过指尖抵达键盘，才能产生洪亮、辉煌、爆发力强、变化无穷的音响。在掌握了如：“跳音”“连音”“半连音”“颗粒性”等基本弹法的同时，应注意生理、心理的协调一致，比如约瑟夫·迦特所说：“即便只有一个人手指关节在活动，也要注意让整个躯体放松。”可见，保持良好的演奏状态的前提是演奏要自然、要遵循科学的规律。另外，掌关节的训练是弹好声音的重要环节，对学琴晚和手指肌肉素质较差的学生来说，更要做好“紧张”与“放松”协调一致，也就是说，掌关节关系到收的架子的支撑和调动各手指积极走动、运动的两方面的重要问题。
2．触键能力的训练，重在参加弹奏的全部肌肉彻底放松能力的训练。如何训练这种能力，就像雕塑家用坚硬的材质来塑造作品一样。要让学生了解基本触键法：指力触键、手力触键、臂力触键、全臂力触键。每种触键方法都由不同的训练方法来掌握。在训练这些动作时，要仔细分析动作要领，反复体会概念的深层含义和音色要求，最终熟练并运用到乐曲弹奏当中。在触键练习的过程中，还要掌握好用力和放松的关系，也就是说，在用力下键的瞬间之后立即放松，放松和用力要间隔进行，反复练习并达到一种下意识状态，这样才能弹奏出丰富、有共鸣、有变化的音色。好的音色需要用听觉判断，只有具备对声音的想象力，不断追求美的声音，用意念达到自己想到的声音，然后才在琴上弹出再加以纠正、改进。这样不仅自然地解决一些实际弹奏方法的问题，而且比直观讲述方法更有效、更精确，有意识地去倾听和辨别声音，从而控制自己的手指，训练中耳朵也就显得比手指更重要。
3、不同时期作曲家作品的音色是有区别的。一般来说，18世纪至19世纪上半叶是传统弹奏法，比如J．S巴赫、海顿、莫扎特、克列门第、贝多芬、车尔尼等人的很长阶段，主要强调手指单独弹奏，并伴以固定的手型与平静的手腕，而同是古典乐派人，斯卡拉迪的声音比较清脆、明快、透明；巴赫的音色要沉稳、庄重。浪漫主义时期，要求手的自然位置应柔顺。肖邦非常注重柔和的接触，特别重视连音和如歌弹奏法，而李斯特的钢琴作品具有管弦乐音响，演奏色彩极为丰富，如同他的十个手指头包罗了整个管弦乐队。发展到现代化重量弹奏法，英国著名的钢琴教育家[Tobiasmatthay1858—1945]，他主张整个手的放松，手臂自然的重量协同动作，才能从钢琴上发出饱满、延长的音响。对较多音乐文献的了解和不同时期音乐风格的把握，有利于学生正确树立音色概念。
二、注重“歌嘲性”的弹赛方法
很多人认为，高师钢琴学生的程度浅，在几年的学习中，连古典曲目都接触不完，也就谈不上练浪漫派音乐。“歌唱性·弹奏不是从浪漫时期的作品才开始训练，必须在学习古典乐派作品的同时，把重点放在学习现代钢琴而作的音乐作品。让学生对音乐史上的重大里程碑有所了解。而“歌唱性’的培养应从学琴初使就进行，如果琴声失去歌唱性，就谈不上表达感情，要做到legoto，最关键的一点就是找到音与音之间的联系，弄清它们之间的平行、上行、下行的关系。从而通过演奏者自身的控制，在手指贴键演奏时，是个向导处理好手指力量的转移。只有这样，才能既连贯又清晰。联奏实际上是要抓住这种力量的移动，同时手指站住肌肉关节要稳定住。歌唱性的弹奏不光要在技巧上反复训练，同时要以声乐的演唱和弦乐的演奏中得到启示以求达到那种如歌的、连贯的、圆润的效果。也就是说：只要心里控制能力强且技法娴熟，是完全可以借助于不同的触键变化，而将复杂的感情变化寄予琴声之中。
三、加强钢琴即兴伴奏课的教学
即兴伴奏是中小学音乐教师必备的基本能力。长期以来，由于教材不统一、教学内容不够规范等客观原因导致即兴伴奏能力没有得到应有的培养和提高。加强钢琴即兴伴奏课的教学，应从以下几方面着手与努力。
1、正确认识即兴伴奏的特性所在。 即兴伴奏是一种感性思维活动，又是一种逻辑思维活动。对于伴奏者来说，需要在较短的时间内对整首歌曲进行安排、设计，分析组织，而这一切都是在头脑中完成，从而借助于内心听觉，经过高度省略达到一种令人察觉不到的创作过程，最后要求配奏者胸有成竹，不经修改，准确、合理地与写作者共同完成。从以上可看出，即兴伴奏具有一定的弹奏技巧，对和声织体与伴奏应先有一等的储备，并具有掌握各种类型的歌曲处理能力。
